SEXTETO ENRISO “Las penas me matan”

El Sexteto Enriso con Rafael “Nené” a la izqda. Amadito Valdés a su lado. Enrique parece ser el segundo por la derecha y a su lado, al final, parece intuirse al gran Abelardo Barroso.

Volvemos a adentrarnos en el maravilloso mundo del Son cubano, y como casi siempre, no por casualidad, sino porque en los últimos meses me han llegado un buen montón de discos de varias agrupaciones, así que sigo todavía en plena fiebre cubana. Y es uno de estos discos precisamente que voy a presentar, un disco que se ha convertido en uno de mis favoritos desde la primera escucha y que apenas ha abandonado el tocadiscos desde entonces. Un disco de un grupo muy especial, el Sexteto Enriso.

Rafael “Nené” Enriso (o Enrizo), guitarrista y cantante, nace en la Habana el 24 de octubre de 1897 y se mete en la música ya desde crío, ya que se dice con tan sólo 8 años ya tocaba con su hermano mayor Enrique y su hermana Candita. Se dice que a pesar de haber estudiado con Antonio Rodríguez y Panchito Vargas su formación fue básicamente autodidacta, como muchos de los grandes músicos de su época, y que ya con 15 años formaba parte de la gan lista de trovadores que amenizaban la vida en La Habana.

Nené Enriso y el clarinetista Amadito Valdés.

Forma dúo junto a su hermano Enrique, y ya a principios de los años 20 se unen en trío con el guitarrista y vocalista Carlos Rodríguez. Al cabo de un tiempo se comenta que forma parte de los inicios del célebre Sexteto Occidente, aunque no he llegado a tener confirmación real de este detalle. Lo que sí podemos asegurar es que es en 1926 cuando forma por fin su primer sexteto, del que será el líder y al que dará nombre. El Sexteto Enriso nace en el cruce entre las calles Hospital y príncipe en La Habana y lo formarán, aparte de Rafael Nené a la guitarra, a las voces y director, su hermano Enrique “Chungo” Enriso a la voz principal, Rafael Hernández “El Pichi” a la voz tercera, Norberto Nicuda al contrabajo, Anselmo “Mulatón” al tres, Andrés Sotolongo a los bongos y un séptimo miembro ocasional que dará a ciertas grabaciones del Enriso un toque distintivo, Amadito Valdés al clarinete.

Justamente es un tema con clarinete el que hoy presento. La trompeta fue un instrumento muy presente en la mayoría de sextetos y septetos, uno de los instrumentos básicos de la música cubana, pero en el caso del Enriso, la trompeta se sustituye por el clarinete y eso da a este glorioso “Las penas me matan” un toque muy especial. No fueron uno de los grupos más prolíficos en disco (que yo sepa solo hay 8 temas suyos lanzados por Columbia) y no son tan recordados como el Habanero o el Nacional, pero cualquier fan del son de los 20 y 30 podrá asegurar que eran un conjunto excelente. Les dejo con la música. Como siempre digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Sexteto Enriso “Las penas me matan” La Habana 2 Diciembre 1927 COLUMBIA 3010-X

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BAY N… “Neva Rast Gazel”

Músicos otomanos S.XIX. Wikipedia

Como ya he comentado otras veces, uno nunca sabe qué diablos va a encontrarse cuando se adentra en mercadillos. Hace ya un par de años encontré un lote de discos de música folk y popular turca, uno de esos lotes que uno no puede dejar escapar. Entre algunas joyas y alguna mediocridad un disco destacó entre ellos. Se trataba de un Columbia prensado en Francia con un misterioso nombre seguido de unos inquietantes puntos suspensivos: Bay N… Cuando llegué a casa y lo pinché quedé prendado de la primera cara, un tema llamado “Neva Rast Gazel”. Como mi ignorancia sobre la música turca era prácticamente total por entonces, busqué información y ayuda de otros coleccionistas.       

Conocemos como Gazel a un tipo de forma musical de Turquía basada en la improvisación vocal que proviene de los tiempos del Imperio Otomano.  En su origen era un tipo de poesía (la palabra se puede traducir como “lírica” o incluso “poema”) centrada en el tema del amor y el ensalzamiento de la belleza, pero en su forma musical, tuvo una gran repercusión en la República Turca hasta mediados del S.XX, cuando empezó a desaparecer. Durante el proceso de creación y desarrollo de su República, el Gazel ganó popularidad como una manera de ensalzar la propia identidad, llegando a incluir, al contrario de su origen romántico, reflexiones políticas y/o sociales en sus letras en ciertas ocasiones. Como bien apuntaba John Morgan O’Connell en su ensayo sobre este estilo, (“Song cycle: the life and death of the Turkish gazel: a review essay”) “Mientras el Gazel se consideraba en teoría terminado, en la práctica muchos artistas grabaron imrpovisaciones vocales durante el período (1923-1938). Estas improvisaciones demuestran explícitamente los diversos estilos de práctica contemporánea e indican implícitamente las complejas texturas de la contemporánea sociedad turca.”          

El estilo musical nace de la fusión de dicha poesía “romántica” con el Rast. Esta forma musical es uno de los tipos de makam, el sistema melódico usado tanto en la música clásica como en la folk. Originaria de Persia, se adapta a la tradición de varios países islámicos convirtiéndose en una especie de equivalente a la escala mayor europea. Es así que podemos entender el título del disco que hoy presentamos, un título genérico.  Lo veréis a menudo en la música turca de un modo parecido a como lo vemos en el flamenco en España (muchos artistas ni titulaban sus temas sino que los llamaban por el estilo, Seguidillas, Tangos, Sevillanas… Tan sólo numerándolos para diferenciarlos). En este caso “Neva Rast Gazel” nos indica un “Nuevo Rast Gazel”, es decir, un Gazel original del artista cantado sobre una base Rast. ¿Y quién lo canta? Pues todavía no he podido descubrirlo. El misterioso Señor N… sigue ocultándome su identidad a pesar de que he preguntado por ahí a varios coleccionistas. Espero que compartirlo sirva para descubrir algo más sobre él. Eso sí, por suerte y gracias a la inestimable ayuda de Jonathan Ward (visitad su increíble web Excavated Shellac siempre que podáis), sé que se trata de una grabación de 1933 aunque prensado por la Columbia francesa tres años más tarde, en 1936, además, de que se trata de un tema amoroso, tal y como curiosamente indica la traducción de los textos escritos en la etiqueta. Aparte de eso, sólo cabe mencionar que se trata de un disco partido aunque reproducible y de buen sonido. Pero la belleza del tema y sobretodo la increíble voz de Bay N me ha hecho presentarla aquí. Espero que esto excuse los pequeños clicks que oiréis durante la primera mitad del tema. Muy suaves y apenas se notan. Palabra de coleccionista.      

Lo dicho, si alguien puede darme más información lo agradeceré eternamente. Os dejo con la música. Como siempre digitalizado de mi colección. Espero lo disfruten.

Bay N… “Neva Rast Gazel” 1933 Columbia GT 18797

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EAST TEXAS SERENADERS “Deacon Jones”

Los East Texas Serenaders en una foto publicitaria

Cuando uno mira una de las fotos publicitarias de los East Texas Serenaders, con el grupo vestido con el típico pantalón de trabajo, puede caer en la tentación de pensar en ellos como el clásico grupo hillbilly, un pensamiento que no puede estar más lejos de la verdad. Su estilo fue muy singular y, como muchos críticos han destacado, muy sofisticado, ya que mezclaban la música Country con el Ragtime creando un especial sonido en el que muchos han querido ver el origen de lo que más tarde se conocería como Western Swing.

La banda estaba liderada por su talentoso violinista zurdo, Daniel Huggins Williams, y contaba además en su primera encarnación (en la que nos centraremos, la que gabó para Columbia y Brunswick) con Cloet Hamman a la guitarra, John Munnerlyn al banjo, un guitarrista no identificado y otra de sus figuras clave, Henry Bogan al violoncelo. Este instrumento, que más tarde sería algo más establecido, era una verdadera rareza en una banda de los años 20, pero unido a su repertorio basado en valses y rags, la convirtieron en una de las más originales de su tiempo.

Originarios de Lindale, Texas, tocaban en fiestas y locales de baile sin gran expectativa ya que todos los miembros tenían otras profesiones, pero eso no evitó que ganaran cierta fama por su zona, lo que atrajo a los cazatalentos de Columbia, compañía que los grabó por primera vez en 1927. Aunque parece ser que su sesión para Brunswick al año siguiente, de la que precisamente presento un tema esta vez, tuvo más repercusión. Hoy os presento dos temas de uno de sus discos para esta compañía, ya que ambos refeljan bien el repertorio base de la banda: El Ragtime y el Vals. en ambos, aunque sobretodo en el primero, “Deacon Jones”, podréis notar la sólida base instrumental sobre la que Huggins Williams desata todo su potencial al violín. Un par de joyas digitalizadas de mi colección. Espero que lo disfruten.

East Texas Serenaders “Deacon Jones” Dallas 25 Oct. 1928 Brunswick 298

East Texas Serenaders “Adeline Waltz” Dallas 25 Oct. 1928 Brunswick 298

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SEPTETO ANACAONA “Después que sufras”

Como bien se ha comentado, quizá el Septeto Anacaona no fuera el primero formado íntegramente por mujeres, pero sí fue el primer grupo enteramente femenino que grabara. No sólo es importante. Las cantantes fememeninas abundan en la discografía cubana, pero no tanto como las instrumentalistas, por lo que, añadido a su increíble calidad, hacen de este septeto uno muy especial. Dos hechos que merecen que hablemos hoy de estas impresionantes mujeres.

El alma del Septeto fue sin duda Concepción “Cuchito” Castro Zaldarriaga (1907-1982). La música siempre había estado presente en la familia Castro, en la que algunas de las 11 hermanas tocaban algún que otro instrumento amenizando desde jóvenes los encuentros familiares. Pero no fue hasta inicios de los años 30 que la joven Cuchito vio en la música una vía para ganarse la vida después de verse forzada a abandonar sus estudios por la situación política tan convulsa que vatravesaba Cuba en esos tiempos. El segundo mandato de Gerardo Machado coincidió con una crisis económica en la isla a raíz del Crack del 29, y el mandatario aplica métodos despóticos para acallar a sus rivales y a las insurgencias, entre ellos cierra las universidades, lo que deja a Cuchito sin su carrera.

Es entonces cuando convence a dos de sus hermanas, Caridad y Ada, además de tres amigas Berta Cabrera, Isabel “Beba” Alvarez y Elia O’Reilly, para formar un grupo, al que más tarde se les une otra hermana que será básica en el sonido del Septeto, Ondina, quien aprende en poco tiempo a tocar la trompeta ante la necesidad de tal instrumento tan esencial en la música cubana. Toman el nombre de la reina aborígen Anacaona y así nace el legendario septeto. Se dice que en sus inicios al padre, quien había inculcado estudios musicales a todos sus hijos e hijas, no veía con buenos ojos que las chicas entraran en el mundo del espectáculo, pero por suerte el Septeto conoció el éxito pronto a través de actuaciones y apariciones radifónicas, por lo que tuvo que aceptar que sus hijas se convirtieran en músicas profesionales.

Para mediados de la década el grupo está ya consagrado, sobretodo gracias a la incorporación de Graciela (Felipa Graciela Pérez y Gutiérrez) a las voces. La que fuera hermana de Frank Grillo, el célebre Machito, las acompañaría de gira en los Estados Unidos y grabaría con el Septeto las únicas 6 grabaciones como tal que hicieron para Victor en 1937. Más adelante el septeto se convertiría en orquesta, y la fama de la Anacaona influiría y abriría el paso a un montón de mujeres que seguirían sus pasos.

Pues es de esa sesión para Victor hecha el 15 de junio de 1937 en La Habana que hoy rescatamos uno de sus temas. Se trata del estupendo Son “Después que sufras” en el que la banda suena espectacular, destacando sobretodo las voce, capitaneadas por Graciela, y esa dulce trompeta. Sólo comentar que esta edición es de la casa HMV inglesa, en la legendaria serie G.V., una serie que se lanzó para el mercado del oeste africano, y que sería de una gran influencia en la música que se generó a partir de los años 40 y 50 en esa zona. Como siempre digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Septeto Anacaona “Después que sufras” La Habana, 15/6/1937 HMV G.V.81 (Originalmente Victor 82106)

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HONOLULU HONEYS “Blue Kentucky Moon”

Una de las cosas que más disfruto con los discos de 78 rpm es encontrarme con sorpresas gratas al oír un grupo o una cara desconocida. Es lo que me sucedió con el disco que hoy presento, un oscuro tema pop-hawaiano de principios de los años 30 a cargo de un misterioso grupo llamado Honolulu Honeys. Conseguí el disco gracias a un amigo que me lo envió, y al pincharlo no esperaba encontrarme con semejante joya. Luego llegó la pregunta: ¿Quiénes eran los Honolulu Honeys? La respuesta me la dio también mi amigo con tan sólo decirme, “Frank Ferera”. Oh, ¿cómo no había pensado en él? seguro que muchos de los que leéis esto y coleccionáis disocs de 78 rpm habeís encontrado algun ode sus discos. Ferera fue uno de los grandes pioneros de la guitarra hawaiana con una carrera impresionante y seguramente el músico hawaiano que más discos grabó a lo largo de los casi 20 años de carrera discográfica. Pero claro, sus discos son tan comunes y grabó tantos que muchos son sencillamente mediocres (casi siempre los que uno encuentra), lo que condiciona a muchos coleccionistas que obvian los discos estupendos que grabó (que también fueron muchos). Así que ya va siendo hora de rendirle un pequeño homenaje.

Ferera (originalmente Ferreira, de origen portugués) nació en Honolulu, en 1885, y según comentan sus inicios en la música durante su juventud no fueron nada fáciles. Por lo visto su padre no quería que se dedicara a la música y no le dejaba practicar en casa, alguna vez llegando a romper la guitarra del joven Frank, quien tenía que esconderse para practicar. No es hasta mucho más tarde, ya con 30 años, en 1915, cuando Ferera se sube a bordo de un barco en dirección a Norteamérica, donde formando parte de la Keoki E Awai Troupe actuará en la Exposición Internacional de San Francisco, una exposición que fue el verdadero inicio de la fiebre hawaiana.

Ferera se instala ya en Estados Unidos (Hawai no era todavía un estado), se casa con la guitarrista Helen Louise y ambos empiezan ya a grabar para Columbia en 1915. Sus discos tiene bastante éxito (aún son fáciles de encontrar) pero por desgracia, viajando en un crucero en 1919, Helen desaparece, seguramente engullida por el mar tras caer por la borda. Viudo pero con una carrera todavía por delante, se une entonces con el que será su otra gran pareja artística, el guitarrista Arthur Franchini, con quien grabará docenas de discos que siguen siendo un éxito.

El cénit de su carrera es sin duda los primeros años 20. Ferera graba sin parar, y si bien muchos de sus discos son prescindibles graba un montón de temas estupendos, incluso es el primero en grabar solos de ukelele (interesantes discos y muy desconocidos). Cuando llegamos a mitad de los años 20 las cosas cambian para nuestro hombre. La nueva horda de guitarristas hawaianos que llegan de las islas como Bennie Nawahi o Sol Hoopii, mucho más versátiles, modernos y técnicamente superiores, eclipsan al que había sido el rey de la guitarra hawaiana. Ferera sigue grabando adaptándose a los nuevos tiempos, y de hecho algunos de mis discos favoritos de su discografía son de la segunda mitad de los 20. Se adapta al Jazz y al Pop e incluso graba para estrellas como Annette Hanshaw o artistas country como Vernon Dalhart (también se ha dicho siempre que fue él quien enseñó la guitarra steel a Jimmie Tarlton, del increíble díuo Darby and Tarlton). Pero el paso del tiempo no fue justo con Ferera ya que realmente quedó eclipsado por sus discípulos en esa época. En 1933 se retiraba dedicándose a otros negocios y muere en 1951. Fue enterrado con la barra que usaba para tocar la steel guitar.

Pues bien llega el momento de la música. Volvemos a los Honolulu Honeys. La banda en sí parece ser que fue tan sólo un proyecto de estudio. Se trata de un grupo pop con voces, guitarras, violín, trompeta y guitarra hawaiana a cargo de Ferera con un tema que me dejó impresionado por su belleza a la primera escucha. Se trata del ensoñador “Blue Kentucky Moon”, que ha sido uno de mis temas pop favoritos de los años 30 desde esa primera escucha. Poco más puedo añadir excepto que según mi amigo Christo Ruppenthal (a quien agradezco mucha de la información) el trompetista podría ser Manny Klein, quien grabó a menudo con Ferera por la época. Espero que disfruten de este homenaje a un músico a menudo injustamente infravalorado. Como siempre digitalizado de mi colección.

Honolulu Honeys “Blue Kentucky Moon” NY, 24/9/1931 Columbia 2545-D

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ABE LYMAN ORCHESTRA “Wrap your troubles in dreams”

Abe Lyman (en el centro de blanco) con su orquesta

Volvemos de nuevo a otra depression tune de principios de los años 30, en este caso por un motivo muy especial, ya que se trata de uno de mis discos favoritos de esa era, además de haber sido un disco que buscaba desde que empecé a coleccionar y que no conseguí hasta hace poco. Esta vez presentamos a una de las orquestas más famosas de la música popular americana entre los años 20 y los 40, nada más que la Abe Lyman Orchestra, que cosechó un enorme éxito a lo largo de su larga carrera.

Abe Lyman, cuyo nombre real era Abraham Simon, nació en Chicago en 1897, aprendió a tocar la batería de adolescente, y ya con sólo 14 años tocaba en sus primeras bandas en su Chicago natal. Ya a inicios de los años 20 se traslada a Los Angeles, donde residirá hasta su muerte en 1957, y donde empieza realmente a hacerse un nombre. es por esa época cuando su banda, en la que ya ejerce de líder, se convierte en habitual en el Ambassador Hotel con un enorme éxito, lo cual le lleva a empezar a grabar y aparecer en la radio.

Es a lo largo de los años 20 cuando la orquesta se convierte en una de las más famosas de Estados Unidos, grabanda on cantidad enorme de discos para baile (algunos muy hot) que venden muy bien. Por el contrario, el disco que hoy he escogido no pareció haber tenido el mismo éxito, dado lo difícil que me ha sido encontrar una copia (llevaba años preguntando a coleccionistas de todas partes sin éxito). El porqué es muy sencillo, y hemos hablado de ello muchas veces. El disco en cuestión se grabó en 1931, en plena depresión económica, por lo que dudo que vendiera demasiadas copias en tan difíciles tiempos.

Además de ser uno de sus discos menos conocidos, el tema que presento es justamente la cara menos conocida (es más famosa la otra cara, “Just one more chance”), pero, según mi opinión, es sencillamente una de las depression tunes más bonitas jamás grabadas. Se trata de un tema muy conocido titulado “Wrap your troubles in dreams”, grabado infinidad de veces por diferentes artistas y bandas (la versión de Bing Crosby es especialmente conocida), pero ninguna llega a ser tan definitiva como la de Lyman y compañía. Estupendos arreglos, una voz increíble a cargo de Marvin Warner, y un tono increíblemente agridulce arropado a la perfección por unos dulces vientos. Y qué maravillosa letra. Fue uno de esos temas que me enamoró a la primera escucha. En fin, no vale la pena hablar más, dejemos que hable la música. Como siempre, digitalizado de mi colección (espero disculpen el ruido de fondo). Espero que lo disfruten.

Abe Lyman And His California Orchestra “Wrap your troubles in dreams (and dream your troubles away)” Los Angeles 12/5/1931 Brunswick 6125

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Mike Hanapi with Kalama’s Quartet

La compañía Olvido Records, dedicada a reeditar material de 78 rpm, acaba de lanzar un nuevo trabajo centrado en la figura del guitarrista y cantante hawaiano Mike Hanapi (al que ya dedicamos un par de entradas sobre su banda, los Kalama’s Quartet). Me complace presentarlo ya que se trata de mi primera colaboración con un sello para el que he aportado un par de temas de mi colección. El álbum se puede comprar en vinilo (edición super cuidada con folleto biográfico y letras) o en formato digital, y además presenta un estupendo trabajo de restauración sonora. Aquí el enlace para los interesados.

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NGUYEN VAN THONG – “Thien Thai” (Paraíso)

El logo del todavía vivo sello Supraphon.

Normalmente me centro en la música anterior a los años 40 y es por una razón que mucha gente desconoce.  Hasta los años 30 y la crisis económica que viene con el inicio de esta década, la gran mayoría de sellos europeos y americanos solían grabar todo tipo de músicas y a todo tipo de artistas, desde la música más recóndita (muy a menudo enviando a scouts por todo el mundo) y desde el artista más clásico hasta el más amateur. La gran crisis económica provocada por el crack del 29 y que se espande a nivel mundial tiene como resultado una menor venta de discos y gramófonos, así que muchos sellos deciden centrarse únicamente en la música de venta segura, dejando atrás los riesgos que se tomaban en el pasado (todo cabe decir, que estos “riesgos” tenían siempre un objetivo económico claro, vender a todo tipo de público).

Eso por suerte, sucede básicamente en la música popular europea y americana, ya que en otros países las cosas fueron muy distintas. Tomemos por ejemplo los países con un pasado de regímenes comunistas como Rusia, o el caso de hoy, la República Checa. Si bien el interés en Rusia por su música autóctona era muy escaso hasta la segunda Guerra Mundial, todo cambia tras esta, ya que muchos sellos controlados por el gobierno de repente empiezan a grabar música tradicional de todo su territorio para ensalzar las grandezas de la madre patria. En el caso de la República Checa, convertida al socialismo después de la guerra y estrachamente unida a Rusia, toma el sello Supraphon, (fundado en 1929, nacionalizado en 1946 y controlado también a partir de entonces por el gobierno) y aprovecha para producir una serie de discos hacia finales de los años 40 que propagan la música autóctona así como la de otros países hermandados por el comunismo.

El disco que hoy presentamos, es un buen ejemplo de ello. Se trata de un artista vietnamita, Nguyen Van Thong, grabado por Supraphon hacia 1948, seguramente aprovechando un festival comunista en el que varios países participaron. ¿qué más puedo decir sobre él? Muy poca cosa, la verdad. No he sabido encontrar ninguna referencia relativa a Nguyen Van Thong como músico, tan sólo una entrada sobre un director de cine vietnamita de mismo nombre nacido en 1923 y muerto en 2010. ¿Eran la misma persona? El nombre parece ser común en Vietnam, así que, aunque por fecha de nacimiento pudiera ser, no puedo asegurar nada.

Pero lo interesante aquí es la fascinante música que nos ofrece el disco. Nguyen Van Thong canta y toca la guitarra con un slide en el primer tema  “Then Thai” (Paraíso) dándole un etéreo efecto ensoñecedor, que casi recuerda al blues de los años 20 a la primera escucha. En la otra cara, igual de impresionante, se acompaña de una cantante femenina, Nguyen Thi Vui de la que (¡Claro está!) tampoco he podido descubrir nada. Así que menos palabras más música. Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten. (Gracias a Jonathan Ward y Ceints de Bakélite por la información aportada. Visiten sus webs)

Nguyen Van Thong “Thien Thai” (Paradise/Paraíso) ca. 1948 SUPRAPHON 15009

Nguyen Van Thong & Nguyen Thi Vui “Con Thuyen Khong Ban” (Roaming barge/barca itinerante) ca. 1948 SUPRAPHON 15009

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L’ENSEMBLE TAHITIEN TAMARII TAHITI

Mataiura Tarere a Moana, cantante, ukelele y balarina de los Tamarii Tahiti. Foto extraída de Gallica – Biblioteca Nacional Francesa.

El ídilico entorno que hoy conocemos como la Polinesia Francesa, un conglomerado de más de 100 islas, se estableció como territorio de ultramar francés como resultado de un proceso de colonización a finales del S. XIX con la abdicación de su último monarca, el rey Pomare V, aunque no sin conflictos (la Guerra Franco-Tahití o la Guerra de las islas de Sotavento). Hasta entonces las islas habían recibido influencias tanto españolas como portuguesas o inglesas y habían sido un lugar de choque entre la cultura autóctona y la cultura europea, tal y como muestran las numerosas quejas de varios misioneros de la época.

A pesar de haber empezado antes, es con el dominio francés cuando se desata la evangelización de las islas, y si bien esta influencia externa forzada dio de sí una de las formas musicales más bellas de las islas, los himene tarava (La palabra himene viene del término himno, y como tal se trata de temas religiosos cristianos interpretados por corales polifónicas), hubo un claro intento de frenar las tradiciones autóctonas, sobretodo los sensuales bailes conocido como ‘upa’upa. El concepto del pecado cristiano les era totalmente ajeno a los lugareños, pero fue implementado con dureza en las islas por los misioneros y con la ayuda del rey Pomare II, quien tras convertirse al cristianismo redactó un código en 1819 que prohibía terminantemente (entre muchas cosas) los sensuales bailes del ‘upa’upa (ejecutados en pareja) por ser considerados lascivos e indecentes.

Por suerte con la llegada del S.XX el baile, que hasta entonces se había ido practicando más o menos en secreto, cada vez se había ido permitiendo más hasta el punto de recuperar su lugar en la tradición de las islas, aunque está claro que tras perder su tradición lineal en favor de una cada vez más abierta improvisación, el ‘upa’upa tal y como llegó a la cultura del S. XX había perdido gran parte de sus orígenes.

Los Tamarii Tahiti. Foto extraída de Gallica – Biblioteca Nacional Francesa.

En mayo de 1931, en un intento de mostrar su riqueza cultural (o más bien las de sus colonias) además de apaciguar las críticas recibidas por otros países por su expansión colonialista, se inaugura en París la famosa Exposición Colonial Internacional, donde Francia muestra a través de pabellones todas las culturas que engloban sus territorios. No voy a entrar en la clara arrogancia de semejante exhibición, sino que nos vamos a centrar en lo que aportó en el terreno musical. Como bien comentamos en la entrada dedicada a Alexandre Stellio y su banda de las Antillas que actuaron en el pabellón de la Martinica, en el pabellón de Oceanía se reprodujo una casa típica de la polinesia llenando su interior con objetos, pinturas y dioramas de y sobre las islas. Esta demostración colonialista sirvió para abrir el apetito del público por el exotismo de las tierras lejanas, brindando una oportunidad de redescubrir otras culturas, y entre ello su música.

L’Ensemble Tahitien Tamarii Tahiti fueron un grupo de músicos que llegaron a Francia aprovechando seguramente este súbito interés por lo polinesio. Sus dos miembros principales fueron la cantante, ukelele y bailarina Mataiura Tarere a Moana, también conocida como Mademoiselle Matai, y el guitarrista Georges Thioti Rey, quienes llegaron a Francia via Marsella para establecerse en el famoso local de la Boule Blanche (del que ya hablamos en la entrada sobre la orquesta del local) en la Rue Blomet de París, donde actuaron durante un buen tiempo para más tarde llegar a grabar para el sello Pathé sus primeros 4 discos hacia 1935-36 (editados en 1936). A pesar de no ser los primeros de música tahitiana editados por el sello, estos maravillosos discos sirvieron para que miles de franceses se introdujeran por primera vez a la intoxicante y maravillosa música tradicional de la Polinesia, grabada con guitarras (también guitarra steel) ukelele, percusión e incluso harmónica en una de las caras. Puedo asegurar eso de “miles” ya que por fortuna son discos fáciles de encontrar (al menos en Francia), signo de que se vendieron bastantes copias, al contrario de sus siguientes discos editados bajo otro nombre más tarde que ya son mas difíciles de ver.

Así que os dejo ahora con la música, con un par de temas de la banda, primero una canción tradicional satírica y luego un medio tiempo con Steel guitar, en el que se aprecian las similitudes con la música hawaiana. Como siempre digitalizado de mi colección y esperando que lo disfruten. (Nota: Para más información y temas de la banda visiten el portal Gallica de la Biblioteca Nacional Francesa).

Les Tamarii Tahiti “Parari-Parara!” Paris, marzo 1936. Pathé PA 866

Les Tamarii Tahiti “Tau Tiare Iti” Paris, marzo 1936. Pathé PA 866

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JOHNNY HAMP AND HIS ORCHESTRA “Whistle and blow your blues away”

Johnny Hamp y sus Kentucky Serenaders.

A lo largo de la historia la música ha acompañado al ser humano en sus momentos más difíciles, ya sea para entretenerse o para desahogarse, y en estos tiempos que estamos viviendo no está siendo diferente. Expresarnos o recrearnos en la música (y el arte en general) nos define como humanos y procura una catarsis momentánea que nos ayuda a superar los momentos más duros. Lo estamos viendo en los balcones y las azoteas de las ciudades (hace poco un conocido subió su gramófono a la azotea de su edificio  y hizo sonar un disco de Edith Piaff para deleite del barrio) o con los músicos que ofrecen conciertos por internet. La música es una estupenda terapia para los días más oscuros como lo fue también en el pasado.

Esta entrada iba a ser sobre otro disco, pero teniendo en cuenta la presente situación he recordado lo que sucedió durante la Gran Depresión en Estados Unidos despues del gran Crack de la bolsa en 1929. Con un país destrozado, con una tasa de desempleo que llegó casí al 25%, la gente aún buscaba refugio en la música, y los músicos respondieron aportando un agridulce positivismo que se alargó durante los primeros y más duros años de la depresión. En esa corriente destacaron particularmente las orquestas de baile en lo que se ha llegado  catalogar como un pequeño subgénero conocido como Depression Tunes. Pensando en todo ello, me he decantado esta vez por presentar uno de mis discos favoritos de esa época grabado por la Orquesta de Johnny Hamp.

Cuenta la historia que Hamp, originario de Lancaster, Pennsylvania, acabó siendo el líder de la orquesta conocida como los Serenaders de casualidad y por puro morro. La banda tocaba una noche en Hershey cuando tuvieron una agria discusión con su líder, quien abandonó la actuación. Hamp, presente entre el público, se ofreció entonces como director de la orquesta para acabar el recital, a lo que la banda accedió, y al final de la noche los músicos acabaron ofreciéndole el puesto de manera permanente. La banda se transformó entonces en los famosos Johnny Hamp’s Kentucky Serenaders (por lo visto nada que ver con el estado americano de Kentucky sino por el título de una de sus canciones), quienes tuvieron enormes éxitos a lo largo de la segunda mitad de los años 20 (en especial su tremendo tema “Black Bottom”). Su carrera se largaría hasta los primeros años 30, aunque Hamp seguiría liderando orquestas hasta mucho tiempo después.

Fue en plena depresión, en 1931, cuando la orquesta, entonces conocida simplemente como Johnny Hamp And His Orchestra, grabaron este increíble y precioso tema que retrata a la perfeción lo que es una depression tune. Se trata de “Whistle and blow your blues away” (“Silba y aleja tus penas”), un tema que espero sirva hoy en día para aliviar las penas como lo hizo en el pasado (al menos durante los 2 minutos y 40 segundos que dura).

Cuídense y disfruten de las pequeñas cosas de la vida. Como siempre digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Johnny Hamp And His Orchestra “Whistle your blues away” NY, 4/4/1931 Gramófono AE 4070 (Victor 24000)

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